Purtroppo per le norme anti Covid, la visita è articolata in gruppi di max otto/dieci persone, che, accompagnati da un responsabile, possono sostare per un massimo di cinque minuti in ogni sala; il suono di una campanella avvisa che è ora di passare alla sala successiva. Guadagni silenzio e una maggiore visuale, perdi la libertà di soffermarti e di poter tornare indietro. Si entra quindi nella prima sala, dove è stata ricostruita in facsimile la sua tomba, a grandezza quasi naturale: è più bassa solo di qualche spanna, perché i soffitti non permettevano la scala 1:1, sormontata dalla Madonna del Sasso, scolpita dall'allievo di Raffaello, Lorenzetto.

Rispettando la sua volontà, fu sepolto nel Pantheon, che era il monumento che più amava; le più eminenti personalità dell’epoca, tra cui l’umanista Baldassarre Castiglione, l’autore de Il Cortegiano, scrissero versi sulla sua morte e Pietro Bembo (o forse Antonio Tebaldeo) compose l’epitaffio, inciso sulla lapide in portasanta, che termina così: “Ille hic est Raphael timuit quo sospite vinci rerum magna parens et moriente mori” (qui sta quel Raffaello, mentre era vivo il quale, la gran madre delle cose temette di essere vinta e, mentre moriva, di morire).

Nessun artista è stato mai così universalmente amato nel tempo (pur con qualche eccezione) come Raffaello, forse perché la sua pittura squisitamente naturale, serena, comprensibile, incarna quell'ideale di bellezza rinascimentale che vuole rispecchiare nella figura umana la perfezione della bellezza dell’universo. La straordinaria esposizione alle Scuderie del Quirinale, a cura di Marzia Faietti e Matteo Lafranconi, analizza l’operato di Raffaello in uno spettacolare percorso, attraverso tavole e tele d’incomparabile bellezza, disegni, progetti, manoscritti, arazzi, curiosità e sculture antiche, per dare un’idea del suo costante studio delle antichità classiche. Chiaramente, per avere una visione ancor più ampia della sua grandezza artistica, non possiamo non visitare Le Stanze di Raffaello in Vaticano o la meravigliosa Villa Farnesina alla Lungara, ma anche le Gallerie degli Uffizi, che hanno collaborato con le Scuderie del Quirinale, prestando ben 49 opere, tra cui il “Ritratto di Leone X tra i cardinali Giulio de’ Medici e Luigi de’ Rossi”, quadro concesso, nonostante fosse inserito nell'elenco delle opere inamovibili, grazie al direttore delle Gallerie fiorentine, il quale ha ritenuto impossibile descrivere la Roma di Leone X senza il suo ritratto.

Troviamo, infatti, la tela nella seconda sala, quella dedicata alla “Lettera a Leone X”, uno tra i più importanti e noti documenti riguardanti le arti del primo Cinquecento. Dovuta a Raffaello, che si serve della penna dell’amico letterato Baldassarre Castiglione, la Lettera è un’epistola dedicatoria che avrebbe dovuto accompagnare un rilievo della Roma antica e che appare come un appello per salvare le antichità di Roma. Raffaello era stato nominato dal papa “prefetto alle antichità di Roma” e aveva avuto il compito di intraprendere una grande campagna di rilievo e disegno dei monumenti artistici. Dal Louvre proviene l’eccelso "Ritratto di Baldassarre Castiglione" (1513 ca.), collocato nella stessa sala.

Sotto questo pontefice, colto e raffinato, Raffaello era celebrato come il più grande artista vivente. L’enorme numero di commissioni e l’incarico di architetto della fabbrica di San Pietro, assunto nel 1514, lo obbligarono a circondarsi di una schiera di collaboratori e allievi capaci di affiancarlo nel lavoro. Raffaello si rivela il primo pittore moderno in grado di ricreare ambienti all'antica con pitture, stucchi, sculture e marmi policromi. Andando avanti, lungo il percorso della mostra, troviamo, oltre a disegni dove l’Urbinate ha raffigurato teste, statue e rilievi dell’antichità, 

anche marmi antichi, alcuni provenienti dai Musei Vaticani, come la colossale "Testa di Dace".

Alcuni dei marmi antichi sono accostati alle opere di Raffaello, come il "torso di Efebo" (I sec. d.C., Museo Nazionale Romano), posto accanto al "San Giovanni Battista" (1518 ca. Firenze, Gallerie degli Uffizi), 

o la "testa di Iside" (età claudia, Museo Archeologico Nazionale di Napoli) accanto all’ "Estasi di Santa Cecilia" (ante 1518), proveniente dalla Pinacoteca Nazionale di Bologna.

Anche "La Visitazione" (1516-17), proveniente dal Prado di Madrid, è accostata a un altare romano con scena di dextrarum iunctio (40 d.C. Museo Nazionale Romano).

Per la prima volta sono tornati a Roma, dopo la loro esportazione all'estero, capolavori come il sublime tondo della "Madonna d’Alba" (1510), proveniente dalla National Gallery di Washington, la dolcissima "Madonna Tempi" (1507-1508, Alte Pinakothek di Monaco di Baviera), raffigurata mentre sta per baciare il Bambino, e la "Madonna della Rosa" (1518-20, Museo del Prado, Madrid), tutte opere in cui elabora il tema della maternità divina, approfondendolo in una continua e sempre nuova serie di versioni. 

Dalla Galleria Palatina di Firenze provengono la "Madonna del Granduca" (1506-1507), dallo sfondo nero che esalta il contorno della figura, e la "Madonna dell’Impannata" (1511), una complessa sacra conversazione che prende il nome dalla finestra “impannata” che si vede sullo sfondo. 

Dal Museo di Capodimonte di Napoli proviene la "Madonna del Divino Amore" (1516).

Può darsi che Raffaello avesse una particolare predilezione per la Madonna, perché sua madre morì precocemente e probabilmente aveva un ricordo tenerissimo dell’amore materno. Il Louvre ha prestato il "Doppio Ritratto" (Autoritratto con amico), del 1518-19 ca., un olio su tela dove il pittore, sulla sinistra, appare con la barba nera, 

contrariamente all'altro celebre "Autoritratto giovanile", che chiude la mostra nel settore dedicato al primo Raffaello. Un grandioso arazzo da poco esposto alla Cappella Sistina, raffigurante “Il sacrificio di Listra”, 

è ora prestato dai Musei Vaticani alle Scuderie, dove è accostato al facsimile del cartone disegnato da Raffaello (proveniente dal Victoria and Albert Museum di Londra) e all'altare sacrificale di Lucio Volusio Urbano (I sec. d.C., Musei Vaticani), cui si è ispirato,

e a un rilievo con scena di sacrificio (I secolo d.C., Firenze Gallerie degli Uffizi).

Faceva parte dei 10 arazzi commissionati da Leone X a Raffaello e realizzati in Belgio dalla Manifattura di Peter Van Aelst. Nella stessa sala vi è un altro arazzo, eseguito basandosi sulla Visione di Ezechiele di Raffaello (1516-17), una tavola piccola ma dal respiro monumentale. Quest’opera, proveniente dalla Galleria Palatina di Firenze, è pure accostata al suo disegno preparatorio, intitolato "Dio Padre con i simboli degli Evangelisti".

In una sezione dedicata all'architettura troviamo, tra le altre cose, un modello (2020) della facciata del Palazzo Branconio dell’Aquila, progettato da Raffaello, ma distrutto nel Seicento per far spazio al colonnato del Bernini. 

Della celebre Villa Madama, che era stata realizzata per il cardinale Giulio de’ Medici (futuro papa Clemente VII), è in mostra un video che ne esalta la bellezza. Questo capolavoro architettonico non è purtroppo di facile accesso, perché appartiene al Ministero degli Esteri ed è riservato agli eventi di alta rappresentanza istituzionale. L’altro papa, ritratto da Raffaello con un’aria un po’ malinconica, è Giulio II (ante 1512, National Gallery di Londra). 



Nato Della Rovere, sotto il suo pontificato (1503-1513) Raffaello iniziò le Stanze Vaticane, dei cui celeberrimi affreschi troviamo in mostra studi e disegni. Questo grande pontefice ebbe la felice idea di far lavorare Raffaello in contemporanea con il lavoro di Michelangelo alla Sistina. Un aneddoto vuole che Raffaello riuscisse a vedere di nascosto gli affreschi del Buonarroti, grazie alla complicità del Bramante, che aveva le chiavi della Cappella, e da allora la pittura di Raffaello sarebbe cambiata, perché egli aveva la capacità di cogliere gli aspetti migliori degli altri pittori, creando un suo stile originale. Una sezione è dedicata alla bellezza muliebre con i celebri quadri "Ritratto di donna detta La Velata" (olio su tela, 1512-13 ca.), proveniente dalla Galleria Palatina di Firenze,



e la c.d. "Fornarina" di Palazzo Barberini (olio su tavola, 1519-20), con accanto una "Venere accovacciata" in marmo del I secolo d.C. proveniente dagli Uffizi. 



Pur non avendo notizie precise sugli amori di Raffaello, è lecito pensare che la sua vita amorosa fosse alquanto intensa, se addirittura viene considerata da Vasari la causa della sua morte prematura. Racconta lo stesso Vasari che il banchiere Agostino Chigi, pur di fargli portare a termine l’esecuzione degli affreschi nella sua villa alla Lungara (la Farnesina), concesse a Raffaello di lavorare alla presenza della sua amata. Questa donna, dalla quale il pittore non riusciva a stare lontano, era forse quella Margherita Luti, figlia di un fornaio, che si sarebbe ritirata in un monastero dopo la morte del pittore? Certo la Velata, che potrebbe forse essere la misteriosa amante di Raffaello, ha una bellezza ideale, che ritroviamo in alcune delle sue più belle Madonne, mentre la carnale Fornarina ha dei lineamenti molto più marcati (il naso più lungo e gli occhi sporgenti) che hanno fatto pensare che l’opera fosse stata in realtà finita da Giulio Romano, ma gli studi più recenti ne hanno dimostrato la completa autografia.



Potrebbe essere lei l’amante di Raffaello, forse più vera con i suoi lineamenti imperfetti, ma dietro il suo volto si nasconde una rappresentazione di Venere, sul modello della cosiddetta “Venere pudica” della statuaria classica. La giovane donna raffigurata si mostra con la stessa impudicizia della dea dell’Amore, col seno nudo e la pancia appena coperta da un velo trasparente. La testa, invece, è avvolta da un turbante di seta disposto secondo una moda dell’epoca. Da esso pende un gioiello, analogo a quello che compare nella Velata, che richiama con la sua perla il nome di Margherita, che in latino significa proprio “perla”. Altro motivo che accomuna le due opere è il gesto della mano che indica il seno sinistro, ovvero il cuore. Riguardo alla "Fornarina" non si ha notizia sul committente dell’opera e ciò potrebbe avvalorare l’ipotesi che il pittore l’avesse dipinta per sé, negli ultimi anni della sua vita (1518-1520). Del resto, il braccialetto con la scritta “Raphael Urbinas”, sul braccio della donna, fa pensare a una dichiarazione di possesso, da parte dell’autore, della giovane raffigurata, più che a un semplice autografo.



Tra i ritratti più noti del periodo romano, oltre ai pontefici e al Castiglione, troviamo anche quello di "Tommaso Inghirami, detto Fedra" (1510-12, Galleria Palatina, Firenze), figura di primo piano durante i pontificati di Giulio II e Leone X, che deve il soprannome al fatto di aver interpretato a teatro la Fedra di Seneca.



Meno noto, ma delizioso, è il "Ritratto di giovane" (1517-18) del Museo Thyssen Bornemisza di Madrid. Acquistato nel 1928 dal barone Thyssen come opera di Giulio Romano, venne in seguito attribuito a Raffaello, anche se probabilmente con l’aiuto di un allievo della sua bottega. Il giovane, di 13-14 anni di età, è raffigurato con un viso turgido e lo sguardo sfrontato, con una naturalezza e un’esecuzione rapida che mira a mettere in luce il carattere del ragazzo. Nella sezione Raffaello giovanissimo, ovvero quando il pittore lascia le terre di origine (aveva lavorato a Città di Castello, Perugia, Siena) per trasferirsi a Firenze, troviamo un altro celebre ritratto di donna, nota come la "Dama con Liocorno" (1507), dipinta a caldo dopo aver visto la "Gioconda" di Leonardo. 



Si tratta un’opera complessa ed enigmatica, forse un ritratto nuziale di Maddalena Strozzi, che ha subito nel tempo modifiche e restauri. Raffigura una giovane dallo sguardo aperto e sereno e dalla bocca piccola e serrata, che tiene con un braccio l’animale mitologico, che secondo la tradizione poteva essere domato solo da una vergine. Il liocorno, ambiguo emblema di castità, si è sovrapposto a un precedente cagnolino, simbolo di fedeltà, che è comunque un’aggiunta successiva rispetto al disegno di Raffaello, che prevedeva solo la dama sullo sfondo di un paesaggio. Raffaello doveva essere poco più che ventenne quando ha dipinto "Il sogno del cavaliere", un raffinatissimo piccolo olio su tavola (1504, Londra, National Gallery), che ci colpisce per i colori fluidi e luminosi e per il soggetto mitico – allegorico, che è stato interpretato anche come il sogno di Scipione, narrato nei Punica da Silio Italico.



L’ultima sala della mostra ci porta a Urbino, dove Raffaello ha visto la luce nella primavera del 1483: una città che era divenuta, grazie all'illuminato duca Federico di Montefeltro, un centro umanistico di altissimo livello che attirava artisti da tutta Italia (ed Europa). Il padre, Giovanni Santi, pittore modesto ma pervaso da una curiosità intellettuale che lo portava a viaggiare e ad aggiornarsi, deve aver iniziato a formare il figlio, e, conscio della sua bravura, lo avrebbe mandato – secondo Vasari – dal Perugino, cui sicuramente Raffaello deve la struttura compositiva e l’equilibrio formale delle prime composizioni. In mostra ci emoziona lo "Studio di una mano e di un volto" (1497-1499 Oxford, Ashmolean Museum), dove sembra prefigurare gli elementi essenziali della sua arte, la manualità e l’elaborazione mentale che avviene nella testa. 



All'epoca doveva avere solo 14-16 anni ed era già da un po’ orfano del padre, scomparso nel 1494, mentre la madre era morta nel 1491. Chiude l’esposizione l’iconico "Autoritratto di Raffaello" proveniente da Firenze, che tanto somiglia a quello dipinto ad affresco nella Scuola d’Atene in Vaticano. Un uomo giovane e bellissimo, innamorato della vita, che, ben lungi dal trasmettere il tormento e il senso del peccato michelangiolesco, esalta la serenità di un’epoca d’oro.


Raffaello morì a soli 37 anni, ma la sua era un’esistenza già compiuta, essendo all'apice del successo, e questa morte gli avrebbe risparmiato la sofferenza di vedere la città tanto amata in preda alla violenza e alla barbarie. Pensiamo ovviamente al Sacco di Roma del 1527, che tanto avrebbe colpito Clemente VII, definito dal Gregorovius come “il più sventurato dei pontefici”. A noi, invece, a fine mostra, la città riserva uno spettacolo senza eguali: uscendo dall'ultima sala ci si ritrova su un pianerottolo da dove, attraverso una vetrata, si ha una vista a 180° di Roma, illuminata per chi effettua la visita nelle ore serali; ma che sia di giorno o di notte, la meraviglia di questa città lascia sempre senza fiato!

(aboutartonline.com)